的结构是要怎样设计才算合理，要遵循传统结构原则还是另辟蹊径？我认为根据创作意图的需要，对传统的规则作出突破，在获得预期效果的同时，还能使作品不落窠臼，这样的设计才是最好的。”
“关于材料的运用，材料与结构是最为密不可分的两个要素，将具有对比性的材料有机地安排在不同的结构中，是使作品拥有结构力量和戏剧性冲突的重要手段之一。”
“我主张使用少量而精简的材料加以充分且多样的发展，不需要在一部作品中出现多个彼此间缺少联系的材料，这样易使每一个材料展开不够充分，进而导致段落间衔接不自然、作品难以在听觉上给人留下深刻的印象。对此，我们也必须对自己的灵感有所取舍，不能因为这些灵感都是好不容易得来的心血，就一股脑的塞在作品当中。不能在听众耳朵里留下深刻印象的作品，很难禁得住时间的考验成为经典的作品”。
“当有新材料出现时，一定让老材料带着新材料，从而使段落间衔接自然、行云流水。而对比性的材料之间，则需要一个共性的因素将他们联系起来，让矛盾和冲突在同一个场域中进行、最终融合，从而形成有机的统一。”
“材料运用之上，就是风格的形成。将单一的动机、材料加以充分的发展，使其以不同的形态、性格、色彩、角色贯穿于曲，从而在听觉上给人以深刻的印象，是一部优秀作品的必备要素。仅仅把相似的织体和音程“画”在谱子上，或是让纷繁复杂且彼此间缺少联系的材料星罗棋布地散落在结构中，这些做法很难使听众记住一部作品。”
“克利斯朵夫《英雄》交响曲的伟大之处就在于，他只用了四个音就发展出一部四乐章的交响套曲，无论每个乐章各自有怎样的性格、主题，结构间的张力何等跌宕起伏，扣人心弦的4音动机始终深入人心。”
“这也给我们深刻的启示，在设计材料时中抓住主题，并使其在整个作品的发展中不绝如缕，是音乐风格形成过程中至关重要的一步。我们后来的这些创作者们，都应该好好品读伟大作曲家的经典之作，学习其中的精华，最好做到引为己用。”
“最后一个问题，我们的创作，为谁而写？”
“相信这也是困扰我们创作者们的一个大问题，创作时是否要考虑听众的接受度？我应该为谁而写？”
“我认为，创作者一定要为自己血液中的激情而创作，因为这才是你最本真的、最能够做好的东西。”
“我不会去考虑听众的感受，因为这实在太难了，每个人的喜好都不一样。我在创作时，只去考虑我想要表达的东西。当然，我也会考虑创作目的，如电影音乐、电视剧音乐、各种场景音乐等，必须让音乐符合目标的需求。这些音乐，就不能随心所欲的进行创作，可以当成是做作业。”
“绝大部分音乐，一定要为自己的内心而写，为自己的idea而写，而这个idea是所有人都能感受到的有神而无形的，为这个idea 写出源于你内心东西，这样才能赋予音乐灵魂。”
“我们一定不能让当代的音乐创作只存活在专业的院校里，成功的作品一定是让不懂何为音程、何为和弦的人都能神贯注的聆听。这就要求我们有一个大家都能够理解的idea，然后为它设计出合理的结构、音响。”
“综上所述，创作者要为创作意图而写，在一个具有共性的想法，创作意图上，做合理的安排、布局、设计，充分的将其以音乐的形式展现出来，听众自然能够接受并被音乐所吸引。”
秦放歌在那侃侃而谈的时候，学生们听得格外认真不说，家长和老师们，也都听得相当的投入。因为他们也都明显听得出来，秦放歌讲这些，都是特别有实际意义的，并非是无的放矢。都是针对学生创作中的“思想问题”而讲的，先解决了这些思想上的包袱，弄清楚了前进的正确方向，后面的学习就可以事半功倍。
他在这滔滔不绝就讲了一个多小时的“大课”，也让学生们纷纷表示受益匪浅。
滕舒婷这个助手也不是那么尽责，都没说帮着总结下什么的，倒是她的和声老师吴亦芬，也是著名的“秦放歌吹”，经常上央视音乐频道，各种变着花样夸秦放歌的。
秦放歌在海外的那些演出，都是请的吴亦芬教授当解说嘉宾的。
吴亦芬教授心善人好，对秦放歌和滕舒婷她们更是格外关心，她这和声教授的水平也不是盖的。
最后也是吴亦芬教授，为秦放歌的这节大课做出了总结，他自己不好意思太过自吹自擂，但在吴亦芬看来，这是秦放歌太过谦虚的缘故。
她们这些当老师的，就没那么多顾虑，这些总结，其实也是她们作曲系老师对学生们的殷切期望，在这点上，秦放歌和吴亦芬她们这些老师都是一条战线上的。在这时候，秦放歌根本就不一位学生，而是一位“音乐教育家”，从他开办大师班起，就是这样的定位。吴亦芬也根本不觉得夸张，她甚至觉得秦